La renaissance et l'émergence du peintre-savant

Passée au rang des arts mécaniques après avoir connu la gloire dans la Grèce classique, la peinture cherche à rejoindre les arts libéraux, où la poésie avait déjà sa place. Se confirme alors une conception intellectualiste : l’art vient de l’esprit et s’adresse à l’esprit.

• Le peintre-théoricien : Leon Battista Alberti inaugure la tradition du « peintre savant » avec le De pictura (en latin, 1435 ; version italienne, 1436), premier traité qui fait de la peinture un art « de l’esprit ». La formule « cosa mentale », qui résume cette idée, est de Léonard de Vinci.
• Le parallèle avec la rhétorique : Les arts du langage étant des arts libéraux, Alberti prend modèle sur eux. Son originalité est de rendre ce parallèle systématique, et non plus seulement métaphorique.
• Les trois buts de l’éloquence : Comme une langue, la peinture raconte, exprime et « moralise » : elle peut, elle aussi, plaire, instruire et toucher.
• Un enjeu institutionnel : La référence à Alberti, puis à Léonard, Lomazzo et surtout Vasari, sera essentielle au 17e siècle, quand des artistes français créeront une Académie, un siècle après l’Italie (Florence, 1563 ; Rome, 1577), pour exercer leur art en savants et s’affranchir de la corporation, où l’innovation et la singularité n’étaient pas valorisées.

Si la peinture est un discours, sa grande affaire est l’histoire : un tableau n’est pas un divertissement, il doit avoir un sens et délivrer un message. C’est un ouvrage de et pour l’esprit.

• Le dessin contre la couleur : Le disegno est aussi un « dessein » : un projet, une intention rationnelle. Il est privilégié, alors que la couleur plaît aux sens et au sentiment, non à l’intelligence.
• La composition : Selon Baxandall, la peinture transpose la « période » cicéronienne, phrase longue et complexe mais parfaitement claire. C’est l’agencement du tableau qui le rend intelligible, donc beau : pour Aristote, la beauté est ordre et étendue.
• Une beauté pour l’esprit : La beauté n’est pas seulement l’agrément de l’œil (venustas), mais celui de l’esprit (pulcher).
• La convenance : Venue d’Aristote (le vraisemblable), d’Horace et de Quintilien, c’est la conformité à un idéal de vérité : le peintre représente non ce qui est, mais ce qui doit être.
• Le modèle de Zeuxis : Pour peindre Hélène, Zeuxis compose son image à partir de cinq jeunes filles. À travers les apparences, le peintre vise une vérité générale que seule l’intelligence atteint : il est un savant (géométrie, poésie, observation), non un copiste.
• L’objectivité : Comme chez Platon, l’artiste cherche l’objectivité des choses. La modernité insistera au contraire sur sa subjectivité : pour Zola, l’art est « un coin de nature vu par un tempérament ».

L’image de l’artiste et la valorisation du génie viennent de la Renaissance, comme le montrent les Vies de Vasari (Uccello, Michel-Ange, Léonard de Vinci).

• Le maniérisme (vers 1520-1580) : Il rejette les critères classiques (symétrie, harmonie) et cultive la maniera, la signature individuelle. En s’écartant de la nature, il touche à l’artifice : c’est un art élitiste, un « style stylé » (Shearman).
• La mesure : Vasari rejette pourtant les excès et l’excentricité : la démesure est une folie qui nuit à l’image de l’artiste.
• L’ethos de l’orateur : Comme l’orateur chez Cicéron, l’artiste se distingue par son intégrité morale et son savoir. Grâce à cette image, même les artistes excentriques sont « sauvés » : on y voit des visionnaires.

Au 17e siècle, les conférences de l’Académie royale de peinture et de sculpture prolongent cet idéal : il s’agit de dire ce qui fait d’un tableau un « objet de pensée ».

• Poussin, le docte peintre : Il distingue l’« aspect » (voir simplement) du « prospect » (construire la vision). Félibien (Vie de Poussin, 1685) souligne que le bon peintre a une juste idée de la beauté, associée à l’essence des choses.
• La querelle des chameaux (1668) : Poussin a-t-il eu raison d’omettre les chameaux du récit biblique dans Éliézer et Rébecca ?
  • Le Brun : Poussin respecte les trois règles de la bonne peinture : l’action principale, les groupes de figures (caractère syntaxique) et l’expression des passions (caractère sémantique). Les chameaux auraient diverti le spectateur : le peintre garde une marge d’interprétation, conception plus libérale et plus « moderne ».
  • Champaigne : Proche des jansénistes et fidèle à l’esprit du concile de Trente, il exige la fidélité au récit : sinon, le tableau est un divertissement vain, et ce qui est faux ne peut être beau. Calquée sur l’image christique, l’image picturale a un caractère quasi sacré.

Malgré leur désaccord, Le Brun et Champaigne s’entendent sur l’essentiel.

• Une vérité transcendante : Le peintre interprète la vérité (Le Brun) ou la transcrit (Champaigne), mais il ne l’invente pas.
• Le modèle narratif : La peinture reste soumise au modèle sémantique et narratif. Ce lien à la parole sera rompu au 19e siècle : pour Soulages, la poétique et la « pictique » sont deux univers hétérogènes.
• Un idéal qui perdure : L’artiste est celui qui « voit » et dévoile le réel pour en montrer la logique, les rapports intrinsèques. Il est comme le philosophe, mais avec des images sensibles au lieu de concepts : à la fois normal, car il pousse ses facultés à leur maximum, ce que chacun devrait faire, et marginal, car personne n’ose le faire.
• Pourquoi la peinture : Ce sont les peintres qui, en réfléchissant sur leur art, ont nourri la réflexion sur l’art en général : que fait l’artiste ? qu’est-ce qu’une image artistique ?

Problématique : En faisant du peintre un savant, la Renaissance libère-t-elle la peinture, ou la soumet-elle à la parole ?

1. La peinture devient un art de l’esprit
   • Mots-clés : arts libéraux, intellectualisme, rhétorique, plaire, instruire, toucher
   • Auteur : Alberti, De pictura
   • Exemple : les académies, qui affranchissent les peintres de la corporation
   • Transition : Si la peinture est un discours, que doit-elle dire ?
2. Peindre, c’est composer une histoire
   • Mots-clés : histoire, disegno (dessein), composition, intelligibilité, beauté
   • Auteur : Baxandall, la « période » cicéronienne
   • Exemple : un simple portrait qui fourmille de détails symboliques
   • Transition : Faut-il alors peindre le réel tel qu’il est ?
3. Le peintre représente ce qui doit être
   • Mots-clés : convenance, vraisemblable, vérité générale, objectivité
   • Auteur : Alberti, contre Zola et le « tempérament »
   • Exemple : Zeuxis composant Hélène à partir de cinq jeunes filles
   • Transition : Cet idéal laisse-t-il une place à la singularité de l’artiste ?
4. Le génie, singulier mais mesuré
   • Mots-clés : génie, maniera, artifice, mesure, ethos
   • Auteur : Vasari, qui rejette l’excentricité
   • Exemple : le maniérisme, « style stylé » (Shearman)
   • Transition : Quelle liberté le peintre garde-t-il face à son sujet ?
5. Interpréter ou transcrire la vérité
   • Mots-clés : Académie, action principale, groupes, passions, fidélité, vérité transcendante
   • Auteur : Le Brun contre Champaigne
   • Exemple : la querelle des chameaux, sur Éliézer et Rébecca de Poussin (1668)

Conclusion : La Renaissance arrache la peinture à l’artisanat et fait de l’artiste celui qui dévoile la logique du réel, comme le philosophe. Mais la peinture reste dépendante du verbe, lien que le 19e siècle rompra (Soulages).